PRESENTATION

«OTHER IDENTITY - Altre forme di identità culturali e pubbliche»

Ideata, curata e realizzata da Francesco Arena

PREMESSE
Other Identity rappresenta una tappa di un progetto espositivo che funge da cartina al tornasole, capace di misurare, di volta in volta, lo stato di una nuova grammatica narrativa e di nuove forme di interpretazione dell’immagine contemporanea.

A confrontarsi sul tema dell’identità e dell’autorappresentazione sono artisti italiani e stranieri, uniti da una comune piattaforma emotiva e tematica, dalla quale si diramano ricerche personali ben distinte ma accomunate da un linguaggio fotografico che diventa strumento di autorivelazione.

Una peculiarità del progetto è la presentazione di artisti spesso inediti, con l’obiettivo di stimolare la conoscenza del loro lavoro e l’interesse del pubblico partecipante.
La fotografia è qui il medium privilegiato in ogni sua forma — analogica o digitale, attraverso reflex, mirrorlens professionali o smartphone — e viene sempre utilizzata con consapevolezza e coerenza, come atto di necessità più che di stile. È la fotografia a piegarsi alla ricerca dell’artista, non il contrario: un linguaggio che non ha bisogno di mascherarsi dietro artifici o post-produzioni,

perché vive di una verità diretta, fragile ed esposta.

Il comune denominatore degli artisti coinvolti è un’onestà intellettuale, intesa come uso lucido, intelligente e semplice del mezzo espressivo, a tratti brutale nella sua rappresentazione del reale — spesso filtrato da emotività malinconiche e sognanti, da un crudo iperrealismo, da una graffiante autobiografia o da un esibizionismo che si fa confessione. Le opere non cercano la bellezza ma la presenza; non l’adesione al canone, ma la frattura, il difetto, la verità dell’immagine.

Non è corretto parlare di “artisti selezionati”, ma di artisti che si sono scelti, riconoscendosi come simili, come parti di una stessa urgenza. Un istinto quasi animale li accomuna — la capacità di riconoscersi anche in cattività — e da questa vicinanza nasce una piattaforma emotiva comune, da cui si dipanano ricerche diverse ma legate da un medesimo fondo identitario.

In questa prospettiva, Other Identity non si configura soltanto come progetto curatoriale, ma come un’estensione di un lavoro artistico personale: un’operazione concettuale che attraversa il momento espositivo e si prolunga nel tempo attraverso le interviste pubblicate su Exibart. Ogni incontro, ogni dialogo, ogni immagine raccolta si innesta come parte di un unico grande organismo narrativo — un archivio in costruzione, vivo e mobile — dove la riflessione sull’identità si trasforma in pratica condivisa, in una forma di autoritratto collettivo.

Other Identity non è dunque solo una mostra, ma un dispositivo di relazione: un modo di osservare come l’immagine contemporanea si autoriproduca, si smonti e si ricomponga attraverso la pluralità degli sguardi. È un corpo che cresce per accumulo, un laboratorio di riconoscimento reciproco, un’estensione della stessa indagine sul sé che, da anni, attraversa la pratica artistica di Francesco Arena e la spinge a uscire dal perimetro dell’opera per farsi esperienza, dialogo e comunità.

OTHER IDENTITY
Other Identity si occupa di decifrare un fenomeno ormai comune, ma che ha cambiato radicalmente il modo di “vivere” e “interpretare” la nostra immagine, diventata continuamente esibita e pubblicizzata: il nostro modo di autoritrarci e di presentarci al mondo.
Il nostro privato è pubblico e la rappresentazione di noi stessi si modifica e si spettacolarizza continuamente in ogni nostro agire; si creano così delle vere e proprie identità di genere che ognuno di noi sceglie in corrispondenza delle caratteristiche che vuole evidenziare. Così forniamo tracce, costruiamo il nostro profilo emotivo attraverso una personalità che ci rappresenta — o quanto meno vorremmo ci rappresentasse — e spesso questa nostra costruzione ci fa effettivamente credere di essere così, come se avessimo bisogno di inventare un’immagine pubblica che ci sostituisce per avere un ruolo e un peso nel mondo.

Una mostra, quindi, sulle nuove forme di identità e sulle sue continue trasformazioni.

…Emozione è la parola magica;
specialmente in quell’universo parallelo che è il web e il social net, un luogo di identità alternative, di personaggi esagerati, un teatrino emozionale apparentemente effimero e superficiale, dove si consuma però la maggior parte del nostro tempo e si è sviluppata una comunicazione e un’immagine del sé che ormai influenzano pesantemente anche la nostra vita reale.
L’88% dei messaggi che includono foto attira l’attenzione e ha un tasso di memorizzazione più alto; quelli con video ottengono il 2,35% d’interazione in più. I post senza contenuti visual creano solo l’1,71% di coinvolgimento.

L’importanza dell’apparenza sociale e pubblica
L’importanza dell’immagine, anche grazie all’evolversi di quegli “elettrodomestici” che ormai ci sono indispensabili — come pc, smartphone e tablet — è un dato di fatto.
Il nostro album di famiglia è stato sostituito dagli album condivisi in rete attraverso le varie piattaforme; il nostro privato viene costantemente messo in evidenza, esaltandone anche i più piccoli e insignificanti momenti — il risveglio, la colazione, la pausa con un buon libro, lo shopping, ecc. — ogni nostra azione acquista una risonanza pubblica, come se avesse valore solo nel momento della sua condivisione con un numero sempre più alto di “amici” che spesso neppure conosciamo e con i quali magari non ci siamo mai scambiati una parola.

Questo disperato bisogno di “sottolineare” la nostra presenza solo in funzione della sua pubblicizzazione ha fatto sì che anche la nostra immagine ne subisse una trasformazione.
Oggi l’identità individuale non è più soltanto rappresentata, ma costruita attraverso la sua esposizione: la visibilità è divenuta condizione di esistenza. Ogni immagine condivisa non è più un frammento del nostro vissuto, ma un tassello strategico nella composizione del personaggio pubblico che ciascuno di noi proietta nel flusso continuo della rete.

La distinzione tra essere e apparire si è progressivamente dissolta; il volto autentico si confonde con la sua messa in scena, fino a generare un ibrido di realtà e rappresentazione in cui la dimensione privata si annulla, trasformandosi in spettacolo.
La fotografia — un tempo strumento di memoria — è ora un linguaggio di affermazione sociale, un gesto di presenza nel mare indistinto dell’immagine digitale. E in questa corsa alla visibilità permanente, ciò che era esperienza si riduce a superficie, e ciò che era relazione diventa pubblica esposizione del sé.

Rappresentazione del sé
Sempre di più siamo attenti a orchestrare ciò che vogliamo mostrare di noi stessi, a esaltarne certe caratteristiche e nasconderne altre.
Siamo impegnati a costruire la nostra immagine pubblica come fossimo tutti personaggi dello spettacolo o dello star system: plagiamo, pieghiamo, modifichiamo così la nostra autorappresentazione, come se fossimo più attenti a coordinare la messa in scena che a viverla, come se fosse più importante far emergere la scenografia della nostra esistenza piuttosto che la sua sostanza.

In questo continuo esercizio di regia personale, il confine tra autenticità e artificio diventa poroso: la spontaneità è sostituita da un controllo costante, una sorveglianza estetica del sé.
Non ci limitiamo più a essere soggetti che si raccontano, ma interpreti che performano un ruolo. Ogni immagine, ogni parola, ogni gesto condiviso partecipa a una costruzione narrativa che tende alla coerenza visiva, alla riconoscibilità, all’efficacia comunicativa.

Il sé, frammentato e moltiplicato nei diversi contesti digitali, si trasforma in una serie di “personae”, ognuna calibrata per un pubblico, per uno sguardo esterno, per un algoritmo che osserva e misura.
Questa rappresentazione costante ci restituisce una parvenza di controllo, ma al tempo stesso ci espropria: il nostro volto, la nostra voce, la nostra immagine diventano materiali di un racconto collettivo che non ci appartiene più del tutto.
L’identità personale si diluisce nella sua rappresentazione, fino a coincidere con essa: ciò che appare, è.

Identità di genere
Si manifestano e si creano così delle vere e proprie identità di genere che ognuno di noi sceglie in corrispondenza delle caratteristiche che vuole evidenziare del proprio “personaggio”: un carattere grintoso, modaiolo, euforico, avventuroso o riflessivo, dolce, intimistico, solare o dark…
Così forniamo tracce, costruiamo il nostro profilo emotivo attraverso un personaggio che ci rappresenta — o quanto meno vorremmo ci rappresentasse — e spesso questa nostra costruzione ci fa effettivamente credere di essere così, come se avessimo bisogno di inventare un’immagine pubblica che ci sostituisce per avere un ruolo e un peso nel mondo.

Il genere, in questo processo, diventa un codice espressivo più che una condizione biologica: un linguaggio che si adatta, si mescola, si reinventa, assumendo di volta in volta le sembianze del desiderio, del potere o della fragilità.
La fluidità identitaria che caratterizza il presente non è solo una questione di orientamento o appartenenza, ma di rappresentazione: ciò che scegliamo di essere attraverso il modo in cui ci mostriamo.

Nel teatro digitale delle immagini, le identità di genere non si limitano più a riprodurre categorie prestabilite, ma le attraversano e le contaminano. Maschile e femminile, forza e vulnerabilità, eros e introspezione, si fondono in una costellazione di segni che si rigenerano costantemente sotto lo sguardo collettivo.
Questa libertà di autorappresentazione, pur aprendo spazi inediti di affermazione, comporta anche una continua esposizione: l’identità di genere diventa performativa, dipende dalla visibilità, dal riconoscimento, dall’interazione con l’altro.
In questo senso, l’immagine del sé è sempre in bilico tra autenticità e artificio, tra emancipazione e strategia di consenso, tra il desiderio di essere visti e la necessità di esistere attraverso quello sguardo.
Ciò che una volta definiva la differenza, oggi definisce la scena su cui la differenza viene messa in atto.

Selfie: il narcisismo sui social network
Così la pratica dell’autoritrarsi, del dover testimoniare attraverso la nostra immagine la nostra condizione sociale, sfocia nel “selfie”.
L’Oxford Dictionaries Online ha nominato il neologismo inglese selfie parola dell’anno 2013, inserendola come nuovo termine all’interno del vocabolario.
Si tratta delle foto auto-scattate che ritraggono se stessi e vengono postate sul web, tanto amate da (quasi) tutti gli utenti e che riempiono i social più utilizzati come Instagram e Facebook.

È, come ormai sappiamo bene, una versione moderna ed evoluta del classico autoscatto, alla quale si aggiungono due dimensioni importanti: quella della rappresentazione e quella della condivisione dell’immagine.
Infatti, mentre il vecchio autoscatto rimaneva essenzialmente un ritratto privato, il selfie è pubblico.

Nato negli anni 2000 con la diffusione dei primi social network — come per esempio MySpace, con il quale si iniziava a pubblicare le proprie informazioni personali in rete —, l’avvento di Facebook, con la sua “immagine del profilo”, ma anche degli smartphone dotati di fotocamera frontale, sono stati decisivi per l’affermazione dell’attività di scattare selfie, che oggi conta solo su Instagram oltre 450 milioni di post.

All’interno del web si condividono gli autoscatti migliori di sé per la ricerca di gratificazione personale e per un narcisismo che sfiora quasi la patologia, a cui si aggiunge anche quella dell’approvazione altrui, espressa attraverso il numero dei “mi piace” ottenuti per ogni autoscatto.
La tendenza, quindi, è quella di sentirsi approvati in primis dagli altri e poi da noi stessi: quantifichiamo nei like il grado e la qualità del nostro potere seduttivo, della nostra personalità e del nostro “personaggio”.

Perché tutto è pubblico, nulla è celato o omesso, se non forse la nostra vera natura, il nostro essere profondo.
Il selfie non è più soltanto una fotografia, ma un atto performativo: un gesto quotidiano che conferma la nostra esistenza nel flusso collettivo delle immagini. Ogni scatto diventa un micro-rito di appartenenza, una piccola affermazione d’identità in un sistema che misura la visibilità come valore.

La fotocamera frontale non è più uno strumento di registrazione, ma uno specchio sociale, un dispositivo che restituisce un volto calibrato per lo sguardo dell’altro, per il consenso, per la memoria istantanea del presente.
In questo gioco di riflessi, l’autoritratto non documenta, ma sostituisce: l’immagine diventa più reale del soggetto che rappresenta.
Si afferma così una nuova forma di narcisismo mediatico — non tanto l’amore per sé, quanto la dipendenza dalla propria visibilità — dove il volto diventa moneta di scambio, superficie di riconoscimento e, insieme, schermo di difesa.
Nel selfie, l’identità si produce e si consuma nello stesso gesto: un ciclo rapido di esposizione e oblio, di affermazione e cancellazione. L’immagine, divenuta messaggio, non ci ritrae più: ci sostituisce nel mondo digitale come segno della nostra presenza.

Identificazione del sé
Da sempre l’artista è sensibile ad argomenti quali l’identità e la comunicazione legate alla propria immagine, ma ora più che mai egli è indotto a confrontarsi con se stesso e a mettere in discussione la propria autorappresentazione.
Lungo è il percorso di riflessione su tale tema: tornando indietro nel tempo si può far riferimento alle ricerche di Cindy Sherman (Glen Ridge, 1954), artista, fotografa e regista statunitense, conosciuta per i suoi autoritratti concettuali (self-portrait), che forse per prima ha potentemente sottolineato questo aspetto di spersonalizzazione della propria immagine, assumendo nelle sue opere ruoli di volta in volta differenti; per poi passare a Nan Goldin (Washington D.C., 1953), che si afferma come una delle maggiori esponenti di un’espressione artistica a favore della completa identificazione tra arte e vita, utilizzando la fotografia come un “diario in pubblico” a documentazione della sua esistenza, a partire dal suicidio della sorella Barbara Holly nel 1965.
Senza poi dimenticare Francesca Woodman (Denver, 1958 – New York, 1981) che, nonostante la sua breve vita, ebbe grande influenza sull’arte di fine XX secolo, concentrando il suo lavoro soprattutto sul suo stesso corpo e sull’ambiente circostante, riuscendo spesso in una vera e propria fusione.

Molti altri sono gli artisti che si potrebbero citare, ma questi sono i principali punti di riferimento delle numerose ricerche sviluppatesi nel corso degli anni, fino a giungere alle recenti e curiose citazioni dell’attore e artista James Franco, che nella sua prima opera fotografica (James Franco’s New Film Stills) si rifà, reinterpretandola, alla prima storica serie di Cindy Sherman, i Film Stills; oppure alle opere del fotografo Sandro Miller, che ha selezionato alcuni tra i più famosi ritratti di sempre, ricreandoli con John Malkovich (attore, regista, produttore cinematografico e teatrale, nonché stilista statunitense) come protagonista. Malkovich, Malkovich, Malkovich è il titolo del progetto che vuole essere un omaggio ai grandi maestri della fotografia.

Il richiamo, il plagio, la riedizione, il ready-made dell’iconografia di un’identità legata al passato, al presente e al contemporaneo sono quindi messi costantemente in discussione in una ricerca affannosa di una nuova identificazione del sé, di un nuovo valore di rappresentazione che viene puntualizzato, sottolineato, raccolto e selezionato, come a voler fermare schegge impazzite che travolgono il nostro quotidiano, la nostra vita intima, i nostri sentimenti — o, meglio, la riproduzione di tutto ciò che siamo e proviamo ad apparire nei confronti del mondo.

Ma forse oggi, più che un volto, l’artista cerca una traccia, un’eco di sé che resista all’oblio dell’immagine. La fotografia diventa una forma di sopravvivenza: un modo per tenersi insieme, per restare riconoscibili mentre tutto si dissolve in superficie. Ogni autorappresentazione è un tentativo di catturare una presenza che sfugge, di trattenere una voce dentro un corpo che cambia, di mettere ordine nel disordine del tempo.

Nel gesto di fotografarsi — o di trasformarsi attraverso l’immagine — l’artista non cerca più la somiglianza, ma la testimonianza di un passaggio, la prova che è esistito uno sguardo capace di vedersi e, per un istante, di coincidere con se stesso.
L’identificazione del sé, allora, non è più un punto d’arrivo, ma una condizione di movimento, un continuo oscillare tra riconoscersi e perdersi, tra l’apparire e lo svanire, tra il corpo reale e la sua ombra luminosa.

Oggi questo processo sembra giungere a un nuovo stadio, in cui l’immagine non è più soltanto costruita dall’individuo, ma anche dalle macchine che la osservano, la interpretano e la riscrivono. È in questo scenario che si inserisce il tema dell’Intelligenza Artificiale, come nuova soglia dell’autorappresentazione contemporanea.

Riprogettare l’identità: immagini, algoritmi e Intelligenza Artificiale
Dopo l’epoca del selfie e della rappresentazione diretta del sé, l’immagine entra in una nuova stagione: quella della mediazione algoritmica. L’autoritratto non nasce più da un gesto umano, ma da un’interazione con macchine che apprendono, interpretano e riscrivono i nostri volti. L’occhio che osserva non è più solo quello dell’altro, ma quello di un sistema invisibile che calcola, classifica e predice.

L’Intelligenza Artificiale ha introdotto una frattura silenziosa nel modo di percepire e rappresentare se stessi. I filtri social, i deepfake, le immagini generate da algoritmi o i volti sintetici dei “virtual influencers” costruiscono un universo di presenze simulate, dove il confine tra reale e artificiale si fa poroso, ambiguo, quasi impercettibile. Ogni immagine è il risultato di una negoziazione tra volontà e previsione, tra desiderio e programmazione, tra la necessità di apparire e la logica dei dati che regolano la visibilità.

Dalle prime polaroid e dagli autoritratti allo specchio fino ai selfie sui social, l’immagine ha seguito un percorso di continua smaterializzazione. Oggi, l’identità non si limita più a essere esposta: viene prodotta da algoritmi che imparano dalle nostre scelte e le restituiscono come modelli di comportamento. L’immagine diventa così un territorio condiviso, una forma ibrida di presenza in cui l’umano e il tecnologico si confondono.

L’autorappresentazione non è più soltanto testimonianza, ma previsione di ciò che vogliamo essere. L’algoritmo suggerisce, corregge, adatta, e il soggetto finisce per riconoscersi in un volto che non gli appartiene del tutto. È un’identità in prestito, costantemente riformulata dal linguaggio dei dati. La visibilità diventa la nuova moneta dell’esistenza, e l’immagine, più che rappresentare, anticipa il desiderio di essere riconosciuti.
In questa dimensione, gli artisti che indagano il rapporto tra immagine e A.I. non si limitano a esplorare nuovi strumenti: mettono in discussione la natura stessa dello sguardo. Le loro opere rivelano l’ambiguità del volto filtrato, la seduzione del corpo digitale, la fragilità dell’identità tradotta in codice. Ciò che ne emerge è un’estetica dell’incertezza, dove l’immagine non è più prova di realtà ma speculazione sul possibile.

All’interno di questo scenario, Other Identity diventa un osservatorio critico sulle trasformazioni dell’autorappresentazione contemporanea. La fotografia, il video, il linguaggio digitale e le pratiche performative convivono come tracce di una stessa tensione: quella di comprendere come l’immagine di sé possa sopravvivere all’interno di un sistema che la moltiplica, la frammenta e la reinventa incessantemente.
In fondo, anche oggi, come sempre, l’identità resta una domanda aperta — un continuo tentativo di riconoscersi nell’immagine, anche quando l’immagine non ci assomiglia più.

In questa prospettiva, la curatela diventa un atto di traduzione tra visibile e invisibile, tra ciò che resta umano e ciò che è già sintesi algoritmica. La pratica artistica si fa allora esercizio di resistenza e di consapevolezza: un tentativo di restituire al volto — anche quello generato, simulato o calcolato — la possibilità di essere ancora presenza, di esistere al di là del filtro che lo definisce.

Other Identity: il progetto
Nato nel 2016 da un’idea di Francesco Arena, OTHER IDENTITY - Altre forme di identità culturali e pubbliche è un progetto curatoriale che si sviluppa in parallelo alla sua ricerca artistica, esplorando le trasformazioni dell’immagine e del sé nella cultura visiva contemporanea. La prima mostra, realizzata con il patrocinio della Regione Liguria e del Comune di Genova – Settore Musei e Biblioteche, in collaborazione con il Goethe-Institut Genua, ha posto le basi di un percorso di indagine che si è evoluto nel tempo come piattaforma internazionale dedicata al dialogo tra fotografia, video, installazione e nuovi media.

Nel corso degli anni, Other Identity è diventato un punto di riferimento per artisti e studiosi che riflettono sul corpo, la memoria e le molteplici forme di rappresentazione del sé. Hanno scritto sul progetto, tra gli altri:
Giampaolo Abbondio, Edoardo Acotto, Alessandra Arnò, Claudia Attimonelli, Lidia Bachis, Emanuele Beluffi, Fabrizio Boggiano, Chiara Boni, Marco Bruschi, Bettina Bush, Anita Calà, Lorenzo Canova, Mario Casanova, Giulia Cassini, Annalisa Cattani, Piera Cavalieri, Claudio Cerritelli, Maurizio Cesarini, Rossana Ciocca, Anna D'Ambrosio, Valerio Dehò, Amalia Di Lanno, Isabella Falbo, Anna Fiordiponti, Matteo Fochessati, Patrizia Gaboardi, Alessandra Gagliano Candela, Carlo Gallerati, Francesca Galliani, Roberto Garbarino, Nunzia Garoffolo, Carlo Garzia, Ferruccio Giromini, Romina Guidelli, Chiara Guidi, Flavia Lanza, Amelì Lasaponara, Marla Lombardo, Karolina Mitra Lusikova, Luciana Manco, Angelo Marino, Gianluca Marziani, Chiara Messori, Roberto Milani, Lorenzo Mortara, Ivana Mulatero, Maya Pacifico, Massimo Palazzi, Luca Panaro, Sabrina Paravicini, Claudio Parentela, Claudio Pozzani, Domenico Quaranta, Sandro Ricaldone, Mariella Rossi – Stefano Cagol, Claudia Sensi, Stefania Seoni, Ivano Sossella, Benedetta Spagnuolo, Federica Titone, Caterina Tomeo, Tiziana Tommei, Roberta Vanali, Venette Waste, Bruno Wolf.

Nelle prime tre edizioni (2016, 2019, 2022) sono stati presentati centinaia di artisti italiani e internazionali, tra cui:
Alessandro Amaducci, Karin Andersen, Francesco Arena, Ray Banhoff, Gaia Benedetti Perinetti Casoni, Betty Bee, Serena Biagini, Holger Biermann, Silvia Bigi, Isobel Blank, Bombshell_Bot (Elleree Fletcher), Bianca Boriassi, Luca Bortolato, Matteo Bosi, Manuel Bravi, Carlo Buzzi, Marco Cappella, Benedetta Cari, Ivan Cazzola, Silvia Celeste Calcagno, Stefania Cerea, Mandra Stella Cerrone, Maurizio Cesarini, Damiana Cicco, Cinzia Ceccarelli, Alessia Cortese, Giacomo Costa, Corrado Dalcò, Davide D’Elia, Amalia De Bernardis, Dana De Luca, Emanuele Dello Strologo, Roberta Demeglio, Montserrat Diaz, Clara Diebler, Boris Duhm, Patricia Eichert, Boris Eldagsen, Nadja Ellinger, Erresullaluna + ChuliPaquin, Anna Fabroni, Pamela Fantinato, Massimo Festi, Fleau Madeleine, FleUr (Enrico Dutto – Francesco Lurgo), Francesca Fini, Nadia Frasson, Luca Fucci, Javier Gallego Escutia, Ivana Galli, Debora Garritani, Teye Gerbracht, Barbara Ghiringhelli, Chiara Gini, Giorgio Galimberti, Olivia Giovannini, Federica Gonnelli, Laura Greco, Anna Guillot, Christina Heurig, Corinna Holthusen, Teresa Imbriani, Giacomo Infantino, Federica Intelisano, Angelica Intini, Donatella Izzo, Richard Kern, Beatrix Kittens, Sebastian Klug, Natasa Korosec, Sandra Lazzarini, Francesca Leoni, Anne Locquen, Francesca Lolli, Cristina Luciani, Cristina Malcisi, Eleonora Manca, Elena Marini, Luca Matarazzo, Lorena Matic, Ralph Meiling, Domenica Melillo, Romolo Giulio Milito, Cristina Mirandola, Monica Mura, Beatrice Morabito, Sami Oliver Nakari, Valentina Neri, Alessandra Pace – Fausto Serafini, Alexi Paladino, Carmen Palermo, Maria Palmieri, Giulia Pesarin, Laura Petra Simone, Phoebe Zeitgeist, Marco Pietracupa, Annalisa Pisoni Cimelli, Angelo Pretolani, Ophelia Queen, Francesca Randi, Marco Réa, Giacomo Rebecchi, Baerbel Reinhard, Christian Reister, Ida Marinella Rigo, Natascia Rocchi, Solidea Ruggero, Chiara Scarfò, Alessandra Scoppetta, Manuel Scrima, Valter Luca Signorile, Paula Sunday, Marcel Swann, The Deep Society (Valerio Visconti – Mirko Grifoni), Chiara Tommasi, Tore Manca (Mater-ia), Roberta Toscano, Tung-Li, V.Silente, Valentina Violo, Valerio Visconti, Mauro Vignando, Chiara Vitellozzi, Cirkus Vogler, Giovanna Eliantonio Voig, Violetta Vollmer, Ye She-Yu, Erika Zolli, Ramona Zordini.

Le edizioni espositive di Other Identity
Nel corso delle tre edizioni, Other Identity ha consolidato un linguaggio curatoriale fondato sul dialogo tra le arti visive, la performance e le nuove tecnologie.
Ogni tappa del progetto ha rappresentato un’evoluzione della riflessione sull’identità contemporanea e sulla rappresentazione del sé come costruzione collettiva.

2022 – Terza edizione
Con il patrocinio della Regione Liguria e del Comune di Genova, in collaborazione con Guidi&Schoen–Arte Contemporanea, la terza edizione ha coinvolto le sedi di Guidi&Schoen e PRIMO PIANO di Palazzo Grillo.
Questa edizione ha riunito artisti italiani e internazionali, inediti e consolidati, selezionati per la coerenza delle loro ricerche sull’identità e sull’autorappresentazione. Accanto alle installazioni fotografiche, ha trovato ampio spazio la videoarte, con opere che hanno approfondito la relazione tra immagine, memoria e percezione, amplificando la dimensione immersiva e analitica del progetto.

2019 – Seconda edizione
Realizzata con il patrocinio della Regione Liguria e del Comune di Genova, in collaborazione con il Goethe-Institut Genua, ABC-ARTE e Guidi&Schoen–Arte Contemporanea, la seconda edizione ha ampliato il dialogo tra arti visive e sonore, introducendo performance e musica elettronica come elementi integrati nel tessuto espositivo. Le sedi coinvolte – ABC-ARTE, Guidi&Schoen, Primo Piano di Palazzo Grillo e Sala Dogana a Palazzo Ducale – hanno ospitato una selezione di artisti italiani e internazionali, emergenti e affermati, evidenziando l’interazione tra arti visive e sonore e proponendo performance integrate nelle installazioni. Accanto alle installazioni, ha trovato ampio spazio la videoarte, che ha esplorato il linguaggio dell’immagine in movimento come strumento di narrazione e riflessione critica sull’identità contemporanea.

2016 – Prima edizione
Ospitata alla Loggia della Mercanzia di Genova e realizzata con il patrocinio della Regione Liguria e in collaborazione con il Comune di Genova – Settore Musei e Biblioteche, il Goethe-Institut Genua e Guidi&Schoen–Arte Contemporanea, la prima edizione ha tracciato le coordinate concettuali del progetto. Attraverso cinque performance e una selezione di opere che intrecciavano fotografia, video e installazione, ha aperto un percorso di riflessione sul corpo come archivio di memoria e sulla costruzione del sé come atto performativo, esplorando il rapporto tra autorappresentazione, memoria e identità culturale. Durante l’intero arco della mostra si sono svolte cinque performance, che hanno affiancato le opere esposte e contribuito ad ampliare la riflessione sulla presenza, sul gesto e sulla costruzione del sé come atto performativo, fondendo linguaggi visivi e azione dal vivo.

La rubrica di Other Identity su Exibart
Dal 2022 Francesco Arena cura e pubblica su Exibart la rubrica settimanale Other Identity, estensione editoriale del progetto espositivo. Lo spazio digitale della rivista diventa un laboratorio di confronto e approfondimento, in cui la ricerca curatoriale si traduce in dialogo con artisti, performer, video maker e autori che affrontano i temi dell’identità, della rappresentazione e del corpo nell’epoca della rete.

La rubrica prosegue idealmente il percorso delle mostre, intrecciando testimonianze dirette e riflessioni critiche, e invitando i protagonisti della scena contemporanea a rispondere alle stesse domande che animano il progetto: chi siamo, come ci rappresentiamo e in quale immagine scegliamo di riconoscerci.
Attraverso il confronto tra esperienze e linguaggi diversi, Other Identity su Exibart diventa così un archivio vivo dell’identità contemporanea, una piattaforma che estende nel tempo e nello spazio la ricerca avviata nel 2016.
www.exibart.com/autore/francesco-arena-2

— Francesco Arena
Genova, November 2015 – October 2025

© 2016–2025 OTHER IDENTITY – Altre forme di identità culturali e pubbliche

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«OTHER IDENTITY - Altre forme di identità culturali e pubbliche» (OTHER IDENTITY – Other Forms of Cultural and Public Identities)
Conceived, curated and produced by Francesco Arena

PREMISES
Other Identity represents a stage within an ongoing exhibition project that acts as a litmus test — a means to gauge, each time, the state of a new narrative grammar and new ways of interpreting the contemporary image.

Italian and international artists engage in a dialogue around the themes of identity and self-representation, united by a shared emotional and thematic ground. From this common platform, distinct personal researches unfold, connected by a photographic language that becomes a tool for self-revelation.

A distinctive aspect of the project is the presentation of artists who are often little-known or previously unseen, with the aim of fostering awareness of their work and generating curiosity in the audience.
Photography here is the privileged medium in all its forms — analog or digital, through reflex, mirrorless or even smartphone cameras — and it is always used consciously and coherently, as an act of necessity rather than of style. It is photography that bends to the artist’s inquiry, not the other way around: a language that needs no disguise, no artifice, no post-production, because it lives on a direct, fragile, and exposed truth.

The common denominator among the participating artists is intellectual honesty — a lucid, intelligent, and essential use of the expressive medium, at times brutal in its representation of reality, often filtered through a melancholic or dreamlike sensibility, through a raw hyperrealism, a biting autobiography, or an exhibitionism that becomes confession. The works do not seek beauty, but presence; not adherence to a canon, but fracture, imperfection, the truth of the image.

It would be inaccurate to speak of “selected artists,” but rather of artists who have chosen one another, recognizing themselves as similar, as parts of the same urgency. A kind of instinct — almost animal — binds them, the ability to recognize one another even in captivity. From this proximity arises a shared emotional platform from which distinct yet interconnected researches branch out, united by a common identity substratum.

In this perspective, Other Identity is not merely a curatorial project but an extension of a personal artistic practice: a conceptual operation that traverses the exhibition moment and extends through time via the interviews published in Exibart. Each encounter, each dialogue, each collected image becomes part of a single narrative organism — a living, evolving archive — where the reflection on identity turns into a shared practice, a form of collective self-portrait.

Other Identity is therefore not only an exhibition but a relational device: a way to observe how the contemporary image self-reproduces, deconstructs, and recomposes itself through the multiplicity of gazes. It is a body that grows by accumulation, a laboratory of mutual recognition, an extension of the same inquiry into the self that, for years, has shaped Francesco Arena’s artistic practice — pushing it beyond the boundaries of the artwork to become experience, dialogue, and community.

OTHER IDENTITY
Other Identity seeks to decipher a phenomenon that has become ubiquitous — one that has radically changed the way we live and interpret our image, constantly displayed and publicized: our way of portraying ourselves and presenting ourselves to the world.

Our private life has become public, and the representation of ourselves continuously shifts and spectacularizes through every action we perform. Thus, we construct real “gendered identities” that each of us shapes in relation to the traits we wish to highlight. We leave traces, building our emotional profile through a persona that represents us — or that we would like to represent us — and this construction often makes us truly believe we are that image, as though we needed to invent a public self that replaces us in order to have a role, a weight, a presence in the world.

An exhibition, then, about new forms of identity and their ongoing transformations.

…Emotion is the magic word;
especially within that parallel universe that is the web and the social network — a place of alternative identities, exaggerated personae, an emotional theatre seemingly ephemeral and superficial, yet where we spend most of our time, and where a form of communication and self-image has emerged that now deeply influences our real lives.

88% of messages containing photos attract more attention and have a higher memorization rate; those with videos achieve 2.35% more interaction. Posts without visual content generate only 1.71% engagement.

The Importance of Social and Public Appearance
The importance of the image — enhanced by the evolution of those “domestic devices” that have become indispensable to us, such as computers, smartphones, and tablets — is an undeniable fact.
Our family album has been replaced by the shared albums of the web; our private life is constantly placed in the spotlight, exalting even its most trivial and insignificant moments — waking up, breakfast, a break with a good book, shopping, and so on. Every action of ours gains public resonance, as if it only held value through its sharing with an ever-growing number of “friends,” often people we don’t actually know and with whom we may have never exchanged a word.

This desperate need to underline our presence only through its publicity has led to a transformation of our very image.
Today, individual identity is no longer merely represented but rather constructed through its exposure: visibility has become a condition of existence. Every image shared is no longer a fragment of lived experience, but a strategic tile in the composition of the public persona that each of us projects into the continuous flow of the network.

The distinction between being and appearing has progressively dissolved; the authentic face merges with its staging, generating a hybrid of reality and representation in which the private dimension is annulled, transformed into spectacle.
Photography — once a tool of memory — has now become a language of social affirmation, a gesture of presence within the indistinct sea of digital imagery. And in this race toward permanent visibility, what was once experience is reduced to surface, and what was once relationship turns into the public exhibition of the self.

Representation of the Self
We are increasingly careful to orchestrate what we want to show of ourselves — to highlight certain traits and conceal others.
We are constantly engaged in constructing our public image, as if we were all performers, all part of a star system: we plagiarize, bend, and modify our self-representation, as though we were more intent on directing the staging than living it — as though it were more important to reveal the scenography of our existence than its substance.

In this continuous act of personal direction, the boundary between authenticity and artifice becomes porous: spontaneity is replaced by constant control, by an aesthetic surveillance of the self.

We are no longer subjects who narrate themselves, but performers acting out a role. Every image, every word, every gesture shared contributes to a narrative construction that aims for visual coherence, recognizability, communicative impact.

The self, fragmented and multiplied across different digital contexts, transforms into a series of “personae,” each calibrated for a specific audience, an external gaze, an algorithm that observes and measures.
This constant representation gives us an illusion of control, but at the same time it expropriates us: our face, our voice, our image become materials for a collective narrative that no longer entirely belongs to us.
Personal identity dissolves into its representation, until it ultimately coincides with it: what appears, is.

Gender Identity
Thus, genuine gender identities begin to manifest and take shape, each one chosen according to the traits we wish to highlight in our own “character”: assertive, fashionable, euphoric, adventurous or reflective, tender, intimate, radiant or dark...
We leave traces, we build our emotional profile through a persona that represents us — or at least, that we wish would represent us — and often this very construction leads us to believe that we truly are what we project, as if we needed to invent a public image that replaces us in order to have a role and a weight in the world.

In this process, gender becomes less a biological condition and more an expressive code: a language that adapts, blends, and reinvents itself, assuming the forms of desire, power, or fragility.
The identity fluidity that defines our present is not merely a matter of orientation or belonging, but of representation: it is what we choose to be through the way we show ourselves.

In the digital theatre of images, gender identities no longer simply reproduce predetermined categories — they cross them, contaminate them. Masculine and feminine, strength and vulnerability, eros and introspection merge into a constellation of signs constantly regenerating under the collective gaze.
This freedom of self-representation, while opening unprecedented spaces of affirmation, also entails a continual exposure: gender identity becomes performative, dependent on visibility, recognition, and interaction with the other.

In this sense, the image of the self is always poised between authenticity and artifice, between emancipation and a strategy of consensus, between the desire to be seen and the need to exist through that gaze.
What once defined difference now defines the stage upon which difference is enacted.

Selfie: The Narcissism of Social Networks
The practice of self-portraiture — of bearing witness to our social condition through our own image — thus culminates in the “selfie.”
Oxford Dictionaries Online named the English neologism selfie the Word of the Year in 2013, officially including it in the lexicon.
These are self-taken photographs, posted on the web, adored by (almost) all users, and flooding the most popular social platforms such as Instagram and Facebook.

It is, as we now well know, a modern and evolved version of the classic self-portrait — with two crucial additions: representation and sharing.
While the traditional self-portrait remained a private gesture, the selfie is inherently public.

Born in the 2000s with the rise of the first social networks — such as MySpace, where users began publishing personal information online — the advent of Facebook, with its “profile picture,” and the diffusion of smartphones with front-facing cameras were decisive in establishing the selfie as a cultural practice. Today, the hashtag #selfie alone counts over 450 million posts on Instagram.

Across the web, people share their best self-portraits in pursuit of personal gratification and a form of narcissism bordering on pathology — compounded by the craving for external approval, expressed through the number of “likes” each selfie receives.
The prevailing tendency is to feel validated first by others, and only then by ourselves: we quantify, through likes, the degree and quality of our seductive power, our personality, and our “character.”

Because everything is public, nothing is concealed or omitted — except, perhaps, our true nature, our inner being.
The selfie is no longer merely a photograph, but a performative act: a daily ritual that confirms our existence within the collective flow of images. Each shot becomes a micro-rite of belonging, a small assertion of identity in a system that measures visibility as value.

The front-facing camera is no longer a recording device, but a social mirror: a mechanism that returns a face calibrated for the gaze of others, for consensus, for the instant memory of the present.
In this play of reflections, the self-portrait does not document but replaces — the image becomes more real than the subject it depicts.

Thus emerges a new form of media narcissism — not so much love of the self, but dependence on one’s own visibility — where the face becomes both currency and shield, surface of recognition and means of defense.
In the selfie, identity is produced and consumed in the same gesture: a rapid cycle of exposure and oblivion, of affirmation and erasure.
The image, having become message, no longer portrays us — it replaces us in the digital world as a sign of our presence.

Self-Identification
The artist has always been attuned to questions of identity and communication as they relate to self-image — but now more than ever, they are compelled to confront themselves and challenge their own modes of self-representation.
The reflection on this theme has a long trajectory. Looking back, one can recall the work of Cindy Sherman (Glen Ridge, 1954), American artist, photographer and filmmaker, known for her conceptual self-portraits — perhaps the first to powerfully emphasize the depersonalization of her own image by embodying a succession of different roles in her works.
Then came Nan Goldin (Washington D.C., 1953), who emerged as one of the leading figures of an art form rooted in the total identification between life and art — using photography as a “public diary” to document her existence, beginning with the suicide of her sister Barbara Holly in 1965.
Equally significant is Francesca Woodman (Denver, 1958 – New York, 1981), who, despite her brief life, had a profound influence on late twentieth-century art. Her work focused on her own body and its relationship with surrounding space, often achieving a true fusion between the two.

Many others could be cited, but these three remain essential points of reference for the countless investigations that have unfolded over the years — leading up to more recent and intriguing reinterpretations such as those by James Franco, whose first photographic series, James Franco’s New Film Stills, revisits and reimagines Sherman’s seminal Film Stills; or the work of Sandro Miller, who recreated some of the most iconic portraits in photographic history with John Malkovich — actor, director, producer and designer — as the protagonist. The project, titled Malkovich, Malkovich, Malkovich, stands as a tribute to the great masters of photography.

Appropriation, imitation, re-edition, and the ready-made of identity — drawn from past, present, and contemporary iconographies — are constantly being questioned in a restless search for a new self-identification, for a renewed value of representation. It is as if we were attempting to capture and fixate the scattered fragments that overwhelm our daily life, our private existence, our emotions — or rather, the reproduction of all that we are, and all that we try to appear to be in the eyes of the world.

Yet perhaps today, more than a face, the artist seeks a trace — an echo of the self that might resist the oblivion of the image. Photography becomes a form of survival: a way to hold oneself together, to remain recognizable while everything dissolves into surface. Every act of self-representation is an attempt to capture a fleeting presence, to anchor a voice within a changing body, to impose order on the chaos of time.

In the gesture of photographing oneself — or transforming oneself through the image — the artist no longer seeks resemblance, but testimony: the proof that there once existed a gaze capable of seeing itself and, for an instant, of coinciding with its own reflection.
Self-identification, then, is no longer a point of arrival but a state of motion — a continual oscillation between recognition and loss, between appearing and vanishing, between the real body and its luminous shadow.

Today, this process seems to have reached a new stage, in which the image is no longer solely constructed by the individual, but also by the machines that observe, interpret, and rewrite it. It is within this scenario that the theme of Artificial Intelligence emerges — as the new threshold of contemporary self-representation.

Redesigning Identity: Images, Algorithms, and Artificial Intelligence
After the age of the selfie and the direct representation of the self, the image enters a new era: that of algorithmic mediation. The self-portrait no longer arises from a human gesture but from an interaction with machines that learn, interpret, and rewrite our faces. The observing eye is no longer just that of another person, but that of an invisible system that calculates, classifies, and predicts.

Artificial Intelligence has silently fractured our way of perceiving and representing ourselves. Social filters, deepfakes, AI-generated images, and the synthetic faces of “virtual influencers” construct a universe of simulated presences, where the boundary between the real and the artificial becomes porous, ambiguous, almost imperceptible. Every image is the result of a negotiation between will and prediction, between desire and programming — between the need to appear and the data-driven logic that governs visibility.

From the first Polaroids and mirror self-portraits to selfies on social media, the image has followed a path of continuous dematerialization. Today, identity is no longer merely exposed; it is produced by algorithms that learn from our choices and return them to us as behavioral models. The image thus becomes a shared territory, a hybrid form of presence where the human and the technological blend into one another.

Self-representation is no longer just a testimony, but a prediction of what we wish to become. The algorithm suggests, corrects, adapts — and the subject ends up recognizing themselves in a face that is not entirely their own. It is a borrowed identity, constantly reformulated by the language of data. Visibility becomes the new currency of existence, and the image, more than representing, anticipates the desire to be recognized.

In this dimension, artists who explore the relationship between image and A.I. do more than experiment with new tools: they question the very nature of vision itself. Their works reveal the ambiguity of the filtered face, the seduction of the digital body, the fragility of identity translated into code. What emerges is an aesthetics of uncertainty, where the image is no longer proof of reality but a speculation on the possible.

Within this framework, Other Identity becomes a critical observatory on the transformations of contemporary self-representation. Photography, video, digital language, and performative practices coexist as traces of the same tension: the attempt to understand how the image of the self can survive within a system that endlessly multiplies, fragments, and reinvents it.

After all, even today, as always, identity remains an open question — a continuous attempt to recognize oneself in the image, even when that image no longer resembles us.

From this perspective, curatorship becomes an act of translation between the visible and the invisible, between what remains human and what has already become algorithmic synthesis. Artistic practice thus turns into an exercise in resistance and awareness — an attempt to restore to the face, even when generated, simulated, or computed, the possibility of still being presence, of existing beyond the filter that defines it.

Other Identity: The Project
Born in 2016 from an idea by Francesco Arena, OTHER IDENTITY - Other Forms of Cultural and Public Identities is a curatorial project that develops in parallel with his artistic research, exploring the transformations of the image and of the self within contemporary visual culture.
The first exhibition, organized under the patronage of the Liguria Region and the Municipality of Genoa – Department of Museums and Libraries, in collaboration with the Goethe-Institut Genua, laid the foundations for a line of inquiry that has evolved over time into an international platform dedicated to dialogue between photography, video, installation, and new media.

Over the years, Other Identity has become a reference point for artists and scholars reflecting on the body, memory, and the multiple forms of self-representation.
Among those who have written about the project are:

Giampaolo Abbondio, Edoardo Acotto, Alessandra Arnò, Claudia Attimonelli, Lidia Bachis, Emanuele Beluffi, Fabrizio Boggiano, Chiara Boni, Marco Bruschi, Bettina Bush, Anita Calà, Lorenzo Canova, Mario Casanova, Giulia Cassini, Annalisa Cattani, Piera Cavalieri, Claudio Cerritelli, Maurizio Cesarini, Rossana Ciocca, Anna D’Ambrosio, Valerio Dehò, Amalia Di Lanno, Isabella Falbo, Anna Fiordiponti, Matteo Fochessati, Patrizia Gaboardi, Alessandra Gagliano Candela, Carlo Gallerati, Francesca Galliani, Roberto Garbarino, Nunzia Garoffolo, Carlo Garzia, Ferruccio Giromini, Romina Guidelli, Chiara Guidi, Flavia Lanza, Amelì Lasaponara, Marla Lombardo, Karolina Mitra Lusikova, Luciana Manco, Angelo Marino, Gianluca Marziani, Chiara Messori, Roberto Milani, Lorenzo Mortara, Ivana Mulatero, Maya Pacifico, Massimo Palazzi, Luca Panaro, Sabrina Paravicini, Claudio Parentela, Claudio Pozzani, Domenico Quaranta, Sandro Ricaldone, Mariella Rossi – Stefano Cagol, Claudia Sensi, Stefania Seoni, Ivano Sossella, Benedetta Spagnuolo, Federica Titone, Caterina Tomeo, Tiziana Tommei, Roberta Vanali, Venette Waste, Bruno Wolf.

Across its first three editions (2016, 2019, 2022), Other Identity has presented hundreds of Italian and international artists, including:

Alessandro Amaducci, Karin Andersen, Francesco Arena, Ray Banhoff, Gaia Benedetti Perinetti Casoni, Betty Bee, Serena Biagini, Holger Biermann, Silvia Bigi, Isobel Blank, Bombshell_Bot (Elleree Fletcher), Bianca Boriassi, Luca Bortolato, Matteo Bosi, Manuel Bravi, Carlo Buzzi, Marco Cappella, Benedetta Cari, Ivan Cazzola, Silvia Celeste Calcagno, Stefania Cerea, Mandra Stella Cerrone, Maurizio Cesarini, Damiana Cicco, Cinzia Ceccarelli, Alessia Cortese, Giacomo Costa, Corrado Dalcò, Davide D’Elia, Amalia De Bernardis, Dana De Luca, Emanuele Dello Strologo, Roberta Demeglio, Montserrat Diaz, Clara Diebler, Boris Duhm, Patricia Eichert, Boris Eldagsen, Nadja Ellinger, Erresullaluna + ChuliPaquin, Anna Fabroni, Pamela Fantinato, Massimo Festi, Fleau Madeleine, FleUr (Enrico Dutto – Francesco Lurgo), Francesca Fini, Nadia Frasson, Luca Fucci, Javier Gallego Escutia, Ivana Galli, Debora Garritani, Teye Gerbracht, Barbara Ghiringhelli, Chiara Gini, Giorgio Galimberti, Olivia Giovannini, Federica Gonnelli, Laura Greco, Anna Guillot, Christina Heurig, Corinna Holthusen, Teresa Imbriani, Giacomo Infantino, Federica Intelisano, Angelica Intini, Donatella Izzo, Richard Kern, Beatrix Kittens, Sebastian Klug, Natasa Korosec, Sandra Lazzarini, Francesca Leoni, Anne Locquen, Francesca Lolli, Cristina Luciani, Cristina Malcisi, Eleonora Manca, Elena Marini, Luca Matarazzo, Lorena Matic, Ralph Meiling, Domenica Melillo, Romolo Giulio Milito, Cristina Mirandola, Monica Mura, Beatrice Morabito, Sami Oliver Nakari, Valentina Neri, Alessandra Pace – Fausto Serafini, Alexi Paladino, Carmen Palermo, Maria Palmieri, Giulia Pesarin, Laura Petra Simone, Phoebe Zeitgeist, Marco Pietracupa, Annalisa Pisoni Cimelli, Angelo Pretolani, Ophelia Queen, Francesca Randi, Marco Réa, Giacomo Rebecchi, Baerbel Reinhard, Christian Reister, Ida Marinella Rigo, Natascia Rocchi, Solidea Ruggero, Chiara Scarfò, Alessandra Scoppetta, Manuel Scrima, Valter Luca Signorile, Paula Sunday, Marcel Swann, The Deep Society (Valerio Visconti – Mirko Grifoni), Chiara Tommasi, Tore Manca (Mater-ia), Roberta Toscano, Tung-Li, V.Silente, Valentina Violo, Valerio Visconti, Mauro Vignando, Chiara Vitellozzi, Cirkus Vogler, Giovanna Eliantonio Voig, Violetta Vollmer, Ye She-Yu, Erika Zolli, Ramona Zordini.

The Exhibition Editions of Other Identity
Over the course of its three editions, Other Identity has consolidated a curatorial language based on dialogue between visual arts, performance, and new technologies.
Each stage of the project has represented an evolution in the reflection on contemporary identity and on self-representation as a collective construction.

2022 – Third Edition
Under the patronage of the Liguria Region and the Municipality of Genoa, in collaboration with Guidi&Schoen–Arte Contemporanea, the third edition involved the venues of Guidi&Schoen and PRIMO PIANO at Palazzo Grillo.
This edition brought together both established and emerging Italian and international artists, selected for the coherence of their research on identity and self-representation. Alongside photographic installations, video art played a central role, with works that delved into the relationship between image, memory, and perception, amplifying the immersive and analytical dimensions of the project.

2019 – Second Edition
Held under the patronage of the Liguria Region and the Municipality of Genoa, in collaboration with the Goethe-Institut Genua, ABC-ARTE, and Guidi&Schoen–Arte Contemporanea, the second edition expanded the dialogue between visual and sound arts, introducing performance and electronic music as integrated elements within the exhibition framework.
The participating venues – ABC-ARTE, Guidi&Schoen, PRIMO PIANO at Palazzo Grillo, and Sala Dogana at Palazzo Ducale – hosted a selection of emerging and established Italian and international artists, highlighting the interaction between visual and sound practices and presenting performances integrated within the installations. Alongside the installations, video art took on a significant presence, exploring the language of the moving image as a tool for narration and critical reflection on contemporary identity.

2016 – First Edition
Hosted at the Loggia della Mercanzia in Genoa and organized under the patronage of the Liguria Region, in collaboration with the Municipality of Genoa – Department of Museums and Libraries, the Goethe-Institut Genua, and Guidi&Schoen–Arte Contemporanea, the first edition outlined the conceptual coordinates of the project.
Through five performances and a selection of works intertwining photography, video, and installation, it opened a path of reflection on the body as an archive of memory and on the construction of the self as a performative act, exploring the relationship between self-representation, memory, and cultural identity. Throughout the entire exhibition, five performances accompanied the displayed works, expanding the reflection on presence, gesture, and the construction of the self as a performative act, merging visual languages with live action.

The Other Identity Column on Exibart
Since 2022, Francesco Arena has curated and published the weekly column Other Identity on Exibart, the editorial extension of the exhibition project. The digital space of the magazine becomes a laboratory for dialogue and critical exploration, where curatorial research translates into conversations with artists, performers, video makers, and authors who engage with the themes of identity, representation, and the body in the age of the network.

The column ideally continues the path of the exhibitions, weaving together direct testimonies and critical reflections, and inviting key figures of the contemporary scene to respond to the same questions that animate the project: who are we, how do we represent ourselves, and in which image do we choose to recognize ourselves?

Through the exchange of diverse experiences and languages, Other Identity on Exibart thus becomes a living archive of contemporary identity — a platform that extends in time and space the research initiated in 2016.

www.exibart.com/autore/francesco-arena-2

— Francesco Arena
Genoa, November 2015 – October 2025

© 2016–2025 OTHER IDENTITY – Other Forms of Cultural and Public Identity

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